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　　破冰团建的场景仍历历在目。来自戏剧、音乐、曲艺、舞蹈、杂技等不同领域的同学们，带着各自的艺术印记围坐一堂。从最初的拘谨微笑到后来的热烈讨论，我们分享着创作中“技与道”的困惑，惊叹于彼此对艺术本质的独特洞察。同学之中有乐团的首席，指尖流淌着对“乐谱里藏着百年乐魂”的坚守；有专注现代舞蹈创新的舞者，探索着“身体语言与时代对话”的可能。这些相遇让我明白，舞台艺术从不是孤军奋战，不同领域的碰撞恰是灵感的源泉。我们既是技艺的传承者，更是艺术的同行者，这份因热爱结缘的情谊，成为二十天学习中最温暖的底色。

　　二十天的课程，如一场密集而深邃的艺术修行，让我对创作的认知不断刷新。刘成纪教授从“中国文化的美丽精神”切入，让我顿悟美不仅是作品的修饰，更是民族精神的载体。正如他所言，文艺工作者需洞悉美学基因，让传统美学在当代作品中流淌。冯远征院长以“初心不改，艺无止境”为题，从北京人艺的传统讲到角色塑造的细节，那句“贴近人民才是艺术的生命力”如重锤敲在心间。他解析杜甫角色时，从诗人的精神内核延伸到舞台上的一个眼神、一个手势，让我明白，真正的表演，是让技巧为情感服务，让角色成为时代精神的镜子。王晓鹰导演对《江姐》《赵氏孤儿》的解读，揭示了“诗化意象”的力量——现实题材戏剧不应止于叙事，更要以诗意承载信仰与人性的重量，让观众在共鸣中获得精神滋养。而米海鹏教授关于“机器人融入舞台”的分享，又为我拓展了科技与艺术融合的新视野。

　　培训是起点，更是未来三年创作的“充电桩”，这三个字背后则是“学以致用”的鞭策。结合课程所得与小组讨论的火花，我开始梳理创作计划，或许可以尝试将传统曲艺的韵律与现代舞台技术结合，用年轻人熟悉的短视频场景讲好民间故事；或许能借鉴青春版《牡丹亭》“制造美、传播美”的理念，让濒危曲种在新叙事中重生。冯远征院长说“艺无止境”，沈晨老师讲“打破框架才能激发活力”，这些话语都在提醒我：创作不能停留在舒适区，要在传统与创新的碰撞中寻找突破。